Extravagância Fígaro

Será que uma encenação extravagante é suficiente para capturar a essência de A Jornada Delirante de Beaumarchais? Esse é o desafio audacioso que esta produção assume.

A imagem é simples, mas encapsula perfeitamente a impressão deixada por estas Bodas de Fígaro: na noite de 14 de agosto, o claustro do Mosteiro da Cartuxa, em Caxias, é varrido por um vento violento que castiga vários elementos do cenário durante os dois primeiros atos, obrigando os cantores a agarrarem-se a um biombo ou a pegarem um manequim de costureira enquanto, acima deles, suspenso por um cabo, um abajur de papel gira ao sabor das rajadas como um pompom de carrossel. Sim, é de facto um vento de loucura que sopra pela ópera de Mozart, ilustrando da maneira mais literal o subtítulo da comédia de Beaumarchais.

E parece que essa também é a abordagem adotada pela encenadora Mónica Garnel e pela sua assistente Anna Leppänen para narrar as desventuras do famoso casal de criados e seus igualmente famosos patrões. Longe de perucas empoadas, camisas com folhos e palácios do século XVIII, a iconografia utilizada neste casamento em Lisboa busca constantemente a incongruência burlesca, inspirando-se nos universos das histórias de quadradinhos, videoclipes e programas televisivos.

Telas adornadas com bosques de flores festivas giram para revelar flamingos cor-de-rosa chamativos e, assim como a iluminação de Sérgio Moreira, os figurinos de Marta Carreiras abraçam sem pudor a explosão de cores (com destaque para os figurinos que parecem papel de parede e os acessórios extravagantes: duas boias gigantes, uma piscina inflável, um espanador fluorescente...).

Essa alegre mistura funcionou maravilhosamente bem na notável produção de Cavalleria Rusticana/Pagliacci (Operafest 2024) da mesma encenadora; aqui, ela conduz a ópera de Mozart numa direção cómica, com traços de farsa, que, não obstante, parece demasiado unidimensional. Pois, por mais extravagante que seja, o dia de Fígaro também reserva momentos de graça que a abordagem frenética de Garnel luta por integrar de forma harmoniosa, como se um demiurgo invisível estivesse apertando o botão “Pausar” do controlo remoto. Gostaríamos de ter entendido a razão na declaração de intenções da encenadora que, infelizmente, é assaz intrincada.

A direção de atores, que privilegia resolutamente a expressividade excessiva, está perfeitamente em sintonia com essa leitura. Isso é ainda mais lamentável, visto que todo o elenco de cantores, todos veteranos do festival, possui uma gama dramática muito mais rica, particularmente percetível nos recitativos, que são notavelmente bem-sucedidos (com a sempre inspirada Isa Antunes no cravo).

O elenco, 99% português (e até 100% se considerarmos que o barítono colombiano Christian Luján reside em Lisboa por opção), revela-se também admiravelmente musical. Ao imbuir o seu Fígaro com energia desenfreada, recebido com risos da plateia (Non piu andrai, tão revigorante e zombeteiro quanto se poderia desejar), André Henriques encontra nuances ameaçadoras no seu Se vuol ballare... para sugerir a raiva que o consome perante as maquinações do Conde. Encontra em Camilla Mandillo, uma Susanna ideal, com um soprano brilhante e profundo, que complementa na perfeição o soprano dramático de Cecilia Rodrigues no dueto Sull’aria.

A Condessa, com a sua presença de palco cativante, aproveita uma pausa no vento para apresentar um Porgi amor e um Dove sono com grande classe. O Cherubino de Rita Filipe, usando um boné virado para trás para simbolizar a sua juventude, não fica atrás com um comovente e sincero Voi che sapete, ecoado pela Barbarina de Celia Teixeira no início do último ato: o seu L’ho perduto é uma fugaz bolha de poesia...

Entre o elenco de apoio, o casal Marcellina/Bartolo beneficia da singular graça vocal de Madalena Boléo – uma das revelações da noite – e da fabulosa presença de palco de Luís Rodrigues, tão irresistível nas suas expressões faciais quanto impressionante em sua dicção e projeção.

Tal como esta produção um tanto bipolar, o final, onde todos os artistas cantam um hino sublime à reconciliação, é prejudicado por um cancan e uma farândola que estão decididamente fora de lugar. Corriam tutti a festeggiar, certamente, mas porquê em fila indiana?

A Orquestra de Câmara Portuguesa é tão excelente quanto o conjunto vocal. Inicialmente, surpreende-nos os tempos relativamente contidos da Abertura, mas também nos conquista a forma como Pedro Carneiro esculpe o som para destacar certas secções, em particular os sopros. Depois, a onda virtuosa do discurso orquestral no final do Ato II sela o negócio. Como disse Shakespeare: “Though this be madness, there’s method in it!” (“Nesta loucura, há método!”).

Première Loge – L’art lyrique dans un fauteuil